All die ausdruckslosen Gesichter, die dich aus leeren Augen anstarren. Köpfe, einer neben dem anderen, leere Schädel, offene Münder. Abgetrennte Gliedmaßen, die sich neben verstümmelten Torsi auftürmen. Sieh dir nur diese winzigen Fingerchen an, die kleinen Füßchen. Die steil nach oben gereckten Hälse, die nur darauf warten, endlich an einem eigenen Körper befestigt zu werden.

Ein Streifzug durch eine Puppenwerkstatt und einige meiner ersten Bilder mit der Pentax ME Super.

Der elfte November war ein Freitag und ich hatte eigentlich ganz andere Dinge vor. Trotzem holte ich die Kamera raus und stürzte mich in die Menschenmassen auf dem Alexanderplatz, gerade als sich die blaue Stunde wie ein Schleier über die Stadt senkte. Flickr rief zur Aktion 11|11|11 auf und es gibt bekanntlich sowieso nie genug Gründe, um vor die Tür zu gehen und Fotos zu machen. Ich mag synchronisierte Ereignisse. Dieser Aspekt ist vermutlich das Beste an Silvester und er machte auch aus diesem Abend im Herbst etwas Besonderes. Es war ein Abend in einem Jahr, in dem ich fortging, um Träume zu verwirklichen. Ein Abend in einer meiner ersten Wochen in einer neuen Stadt.

Mir gefällt das Bild, das entstanden ist, als ich unter der Weltzeituhr stand und den Blick gen Himmel richtete. In erster Linie fällt wahrscheinlich seine Ästhetik auf. Tatsächlich habe ich einige Anpassungen in Photoshop vorgenommen, obwohl ich mich in der letzten Zeit immer weniger um Nachbearbeitung kümmere. Die Vögel flugen auch im Original so schön, dass ich keinen davon retuschieren oder einfügen musste, doch ich habe die Perspektive nachträglich ein wenig verändert. Jeder, der ab und zu eine Kamera in die Hand nimmt, kennt die Drittelregel. Dieses Rezept zur Verbesserung der Komposition mit geringsten Mitteln ist mittlerweile so überstrapaziert, dass ich mich zunehmend für Symmetrie begeistere. Also habe ich die Stahlstreben so platziert, dass sie auf den ersten Blick regelmäßig wirken und die Anomalie erst bei näherem Hinsehen auffällt. Dazu trägt auch die Position der Planeten bei, die nebenbei stärker Aufschluss über den Ort der Aufnahme geben und einen interessanten Kontrast zum Himmel geben. Ebender hatte zu dem Zeitpunkt wirklich genau diese Farbe. Mich stören am bei ISO 1600 obligatorischen Rauschen nur die Farbfehler, ansonsten habe ich den Eindruck, dass es zusammen mit der leichten Vignettierung die Bildwirkunng sanft unterstreicht.

Nicht nur Vogelschwärme waren unterwegs, auch ich bin 2011 viele alte Wege weitergegangen und habe neue eingeschlagen. Zum Beispiel den Pfad zur absoluten literarischen Erleuchtung durch absolut ernsten Pathos. Ich nannte das Foto “Migration Time”. Auf so vielen Wegen stehe ich noch fast am Anfang und kann habe den Startpunkt oft noch besser im Auge als das Ziel. Das kann entmutigend sein, aber auch Neugierde auf das Unbekannte wecken. Ich bin sehr neugierig.

»Deine ersten 10.000 Bilder sind deine Schlechtesten,« zitiert Martin Gommel frei nach Helmut Newton in seinem Aufruf “Mut zur Mittelmäßigkeit”. Beim letzten Zählen befanden sich gute 4.000 Fotos in meinem Archiv, die alle von meiner geliebten 450D [Affiliate-Link] stammen und die ich alle noch nicht wirklich ernstnehmen kann. Aber ernster, als das, was ich davor produziert habe. Ich bin erst seit drei Jahren fest entschlossen unterwegs, und die Reise ist lang. Martin Wolf wiederum fragt jedem Leser nach dem persönlich als bestes befundenen Foto des Jahres, was mich zu diesem Artikel und dem Posten dieses Bildes veranlasst hat. Ich habe keine Angst mehr davor, in der Mittelmäßigkeit unterzugehen. Ich mache mir keinen Druck. Ich brauche Zeit, zu lernen.

Früher spielte sich die Zeitrechnung in Epochen ab. Es gab Moden, Trends, Bewegungen. Ein Stil hatte eine Halbwertszeit, er wurde exponentiell bis zu seiner Omnipräsenz immer beliebter, bevor er langsam verglühte und vergessen wurde. Heute spielt sich die Zeitrechnung in der Messung von Bandbreiten ab. Wie viele Fotos und Videos pro Sekunde gepostet werden, wie viele verschiedene Songs gehört, wie viele Tweets abgesetzt. Kein Stil ist mehr allgegenwärtig. Stattdessen werden wir tagtäglich mit einer unbewältigbaren Masse an Individualität konfrontiert. Es gibt so viele Herangehensweisen an ein Foto, wie es Möglichkeiten gibt, ein einzelnes Leben zu führen.

Warum werden nach Vollendung des zwanzigsten Jahrhunderts Dekaden nicht mehr als Schlagworte für einen bestimmten Zeitgeist funktionieren? Warum benutzt fast niemand den Begriff “Nullerjahre”, und wenn, nur zur Beschreibung einer Zeitspanne der Orientierungslosigkeit? Weil es nur noch ein davor gibt. Und ein danach. Wir sind der Nullpunkt.

Vielleicht bin ich von den Berliner Leitsystemen zu verwöhnt, aber Potsdam macht es einem wirklich schwer, zum vermutlich einzigen sehenswerten Ort der Stadt zu kommen. Brandenburg eben. Als ich es dann nach Ewigkeiten doch noch in den Park Sanssouci schaffte, begegnete ich auch fast keinen Menschen. Ein schöner Nachmittag im Spätherbst, begleitet von viel Natur und viel Ruhe.

Seit sechs Wochen wohne ich nun hier und Manches verstehe ich noch nicht richtig. Warum die Fassade innen so viel schöner ist als auf der Außenseite. Oder warum das Treppenhaus zum Hof direkt neben der Küche mitten durch die Wohnung führt. Aber das macht nichts. Ich realisiere erst ganz langsam, an welch tollem Ort ich eigentlich gelandet bin. Und ich freue mich jeden Tag noch ein bisschen mehr.

Mit öffentlichen Ausstellungen kam ich zum ersten Mal bewusst vor einigen Jahren in Prag in Kontakt. Irgendwo an der Moldau, vermutlich in der Nähe der touristisch stets überlaufenen Karlsbrücke, war eine ganze Reihe an Schautafeln mit beeindruckenden Bildern aufgebaut. Ich war von dem Konzept sofort begeistert. Galerien schaffen normalerweise immer eine sehr elitäre und sterile Atmosphäre. Wieso die Fotos nicht zurück auf die Straße bringen, wo viele von ihnen sowieso aufgenommen wurden? Irgendwie auch ein sehr demokratischer Akt.

Natürlich ist mir der Titel der Veranstaltung damals in Prag längst entfallen, doch Sonntag stolperte ich ganz zufällig über die Ausstellung zu den World Press Photo Awards 2011 - mitten im Bahnhof Friedrichstraße. Umgeben von der Hektik der Reisenden lädt hier eine künstlerische Oase zum Stehenbleiben, Betrachten und Nachdenken ein. Die hochkarätigen Preise, die in ganz unterschiedlichen Kategorien vergeben wurden, garantieren durchweg fotografische Spitzenklasse. Manche Objekte faszinieren durch ihre bloße Ästhetik, die überwiegende Mehrheit erzählt jedoch ergreifende Geschichten, die nur zu oft von Krieg, Katastrophe und Verzweiflung handeln. Da es sich um Pressefotos handelt, dürfte den meisten ein Teil davon schon bekannt sein. Es ist aber auf jeden Fall eine interessante Erfahrung, derart ikonische Bilder, die den Zeitgeist unserer Epoche für alle Zeit konservieren werden, großformatig abgezogen zu sehen.

Die Gewinnerbilder des 54. World Press Photo Contests sind noch bis einschließlich Montag, den 24. Oktober, in der Eingangshalle des Bahnhofs Friedrichstraße zu sehen. Wer in Berlin eine längere Strecke zurücklegt, wird früher oder später sowieso irgendwann dort umsteigen müssen, also nehmt euch etwas Zeit und nutzt die Gelegenheit. Wann bekommt man schon einmal solche Klasse kostenlos zu Gesicht?

Recht zusammenhanglos kommen im Anschluss noch ein paar Aufnahmen von mir aus den letzten Tagen.

Schon vor langer Zeit habe ich festgestellt, dass Berlin für mich die interessanteste Stadt in Deutschland ist. Ich lese eine Berliner Wochenzeitung, obendrein werden unzählige wunderbare Blogs und Magazine in der Hauptstadt produziert und auch der Großteil der Tweets in meiner Timeline stammt aus der zweitgrößten Stadt Europas. Es lag also mehr als nahe, meinen Wohnsitz dauerhaft nach Berlin zu verlagern. Jetzt musste nur noch ein passender Vorwand gefunden werden. Also nahm ich ein paar Mal Zugfahrten von über zwölf Stunden Dauer auf mich, organisierte einen Studienplatz, fand Unterkunft in einer reizenden Wohngemeinschaft mitten in Kreuzberg und transportierte zuletzt all meinen Krempel in einer fast siebenstündigen Autofahrt vom Süden in den Norden der Republik.

Hallo Berlin!

Das digitale Zeitalter hat schon einige außerordentlich nützliche Erfindungen mit sich gebracht. Das merkt man beispielsweise, wenn man in mühevoller Handarbeit stundenlang Negative scannen und Abzüge mit Photoshop restaurieren muss. Heute sind Fotos schon ein paar Sekunden, nachdem sie als elektromagnetische Wellen auf einen Sensor getroffen sind, irgendwo online verfügbar und für alle Welt zugänglich. Möchte man dann doch einmal den Charme vergangener analoger Tage einfangen, kann man ganz einfach auf so nützliche Helferlein wie Instagram oder Hipstamatic zurückgreifen.

Trotzdem führt ein nicht zu übersehender Trend wieder zurück in die Zeit, als man noch mit aller Sorgfalt Filmrollen in den Rücken antiker Kameraboliden pfriemeln musste. Denn zwei große Vorteile hat die Technik der Vergangenheit ganz sicher: Unberechenbarkeit und Entschleunigung. Man weiß nie so genau, ob der Film nicht doch schon abgelaufen war, ob er irgendwann versehentlich dem Licht ausgesetzt wurde, ob man beim Vergrößern richtig scharfgestellt hat oder die Abzüge nun zu lange oder zu kurz in irgendeiner Wanne der heimischen Dunkelkammer gelegen haben. Das mag oftmals zu unerwarteten, interessanten Ergebnissen führen, kann auf Dauer aber auch ziemlich anstrengend sein.

Grundsätzlich positiv zu bewerten ist hingegen der Aspekt der Entschleunigung: Man produziert automatisch deutlich weniger Material, wenn man mit der analogen Kamera unterwegs ist. Immerhin kostet jedes belichtete Negativ bares Geld. Dafür sind die entstandenen Fotos in der Regel umso durchdachter, geplanter, besser. Den mit Abstand wichtigsten Vorzug allerdings stellt der fehlende Bildschirm dar. Wie schön sind die Tage der Vorfreude, in denen man auf die Resultate aus dem Labor wartet und noch keine große Vorstellung davon hat, wie viele brauchbare Bilder wirklich auf dem Film sind. Vor allem aber kann man in aller Ruhe fotografieren, ohne dass die Porträtierten alle fünf Sekunden auf einen zurennen, um zu kontrollieren, wie sie denn aussehen.

Das obligatorische “Zeig mal!” verdirbt regelmäßig nicht nur die Stimmung, sondern auch vielversprechende Ergebnisse. Wir können heutzutage einfach nicht mehr stillhalten. Ich nehme mich da selbst nicht aus, nur zu oft habe ich mich schon dabei ertappt, es gar nicht erwarten zu können, mich selbst auf dem winzigen Display probeweise zu begutachten. Immerhin weiß man ja nie, ob die Bilder nicht schon eine Stunde später auf Facebook herumschwirren.

Aber einen echten Gefallen tut sich mit diesem hektischen Verhalten niemand. Ich sehe es grundsätzlich als Aufgabe des Fotografen, dafür zu sorgen, dass die abgelichteten Personen natürlich und gut aussehen. Nur, wie soll der sich konzentrieren können, wenn er ständig von den Modellen überrannt wird?

Letztes Jahr machte ich ein paar Partybilder in einem stockdunklen Kellerloch. Natürlich hatte die Kamera große Probleme mit dem Scharfstellen, also feuerte der Blitz schon vor dem Auslösen einige Male, um das Fokussieren zu erleichtern. Tatsächlich glaubten manche Menschen, dass ich jetzt in dieser Zeit zwanzig Fotos geschossen hätte, und stürmten auf das Display zu. Auf dem selbstverständlich noch kein einziges Bild zu sehen war.

Bleiben wir also in Zukunft also einfach alle ganz ruhig. Der Fotograf wird euch die Bilder zeigen, wenn er fertig ist. Seid solange ganz natürlich und entspannt euch. Dann werdet ihr auch gut aussehen.

Wir begaben uns also nach München, um einen Tag lang im Öffentlichen Personennahverkehr herumzulungern, ziel- und planlos von einem Ende der Stadt zum anderen zu fahren und nebenbei diverse Fotografien von den Mitreisenden anzufertigen. Das Projekt sollte eigentlich Emotionen im Öffentlichen Raum thematisieren, erfüllt diese Aufgabe jedoch eher weniger – was vor allem an unserer Scheu lag, Persönlichkeitsrechte noch mehr zu verletzen als sowieso schon geschehen, aber auch den sonntags überraschenderweise doch nur sehr schwach frequentierten U- und S-Bahnen geschuldet ist.

Kaum wagt sich die Sonne wieder einmal längerfristig aus ihrem Loch hervor, entstehen schon die ersten schwierigen Lichtverhältnisse für Kameras aller Art. Um dem Idealbild des menschlichen Auges nahezukommen, muss fast immer nachbearbeitet werden. Nur zu oft wird zu HDRs gegriffen, um den Dynamikumfang eines Fotos künstlich zu erhöhen. Dass dadurch meist völlig unrealistische Abbildungen mit übersättigten Farben und unmöglichen Lichtsituationen entstehen, stört die meisten Menschen anscheinend wenig. Ich möchte hier eine Alternative vorstellen, die sich auf die Belichtung beschränkt und durch “Kontrast-Verflachung” nicht so extrem wie ein herkömmliches HDRI wirkt.

Voraussetzung: Je eine leicht über- und unterbelichtete Version desselben Motivs. Wir öffnen die beiden Dateien, die anfänglich nicht zwingend deckungsgleich sein müssen. Ich konnte leider keine bessere Beispielaufnahme als die folgende finden, aber es geht ja auch erst einmal nur ums Prinzip. Das dunklere Foto wird mit dem Verschieben-Werkzeug und gedrückter Shift-Taste über das hellere gelegt. Wenn die beiden Ebenen wie in meinem Fall nicht gerade kongruent sind, wählen wir beide aus und lassen sie aneinander ausrichten: Bearbeiten/Ebenen automatisch ausrichten, als Projektionsweise eignet sich Auto meist am besten. Danach sollte das Bild beschnitten werden (auf die untere Ebene achten oder Schnittmaske erstellen!).

Das Ausgangsmaterial ist soweit vorbereitet, jetzt geht es an die Überblendung. Dazu wählen wir unter Bild/Modus die Lab-Farbe, im Nachfolgenden sollen unsere Ebenen nicht zusammengefügt werden. Der Lab-Modus besteht aus a-, b- und Helligkeitskanal, letzteren wählen wir mit einem einfachen Klick aus. Der Inhalt ist für das weitere Vorgehen entscheidend, deshalb kopieren wir ihn mit Strg+A und Strg+C.

Die obere Ebene erhält nun eine Maske. Mit gedrückter Alt-Taste klicken wir auf die noch weiße Fläche, die daraufhin groß angezeigt wird. Strg+V fügt die Helligkeitsinformationen von vorhin ein. Wir verlassen die Maske wieder (Alt+Klick) und stellen fest, dass unser Gesamtbild sehr viel ausgeglichener geworden ist.

Bislang mag das Resultat noch etwas zu flach wirken, doch das lässt sich ändern: Wir wählen erneut die Ebenenmaske aus und verändern diese durch Bild/Korrekturen/Helligkeit und Kontrast. Ein wenig Experimentieren mit dem Helligkeits-Regler und das Foto lässt sich an die jeweiligen Vorstellungen anpassen. Kleiner Hinweis: Bei Früheren Wert verwenden sollte der Haken gesetzt sein.

Für den Export eignen sich die RGB-Farben besser, deshalb kehren wir über Bild/Modus wieder dorthin zurück.

Falls tatsächlich jemand meine Vorlage zum Ausprobieren verwenden möchte, die Originalbilder finden sich hier und hier.

Glatteis, Graupel, Grau in Grau: Der vergangene Winter war lang und kräftezehrend, aber zum Glück zeichnet sich endlich ein Ende ab. Natürlich kann man den ersten zögerlichen Sonnenstrahlen und dem zaghaft sprießenden Grün noch nicht wirklich trauen, deshalb gilt es, jede kostbare Minute aufzusaugen und für die Tage aufzubewaren, an denen einen überraschender Schneefall eiskalt im Nacken trifft. Bekanntlich bewerkstellige ich dies bevorzugt mit meiner Kamera; so war ich auch am Sonntag unterwegs. Die Resultate mögen trivial sein, für mich zeigen sie aber vor allem eines: Frühling.

Ich glaube ja, dass mich das Wetter noch nie stärker beeinträchtigt hat als im letzten halben Jahr. Jammern auf hohem Niveau.

Gestern Nachmittag begab ich mich mit Zug nach Ulm, weil ich plante, diverse Kleidungsstücke zu besorgen. Zum Bahnhof fuhr ich mit dem Rad. Unglücklicherweise verpasste ich natürlich (wie immer) den geplanten Abfahrtstermin und musste lange auf den nächsten Zug warten, wobei ein paar Fotos entstanden sind. Bis auf das Fenster, das ich perspektivisch anpassen musste, habe ich auf die Nachbearbeitung der Bilder verzichtet, was bei mir in letzter Zeit immer öfter vorkommt. Der etwas bläuliche Farbton ist durch falschen Weißabgleich entstanden.

Im Nachhinein kann ich es nur noch als tragische Ironie betrachten, dass ich ausgerechnet zwei Fahrräder fotografiert habe – wie ich auf dem Rückweg nämlich feststellen musste, fiel mein eigenes Beförderungsmittel, das natürlich (wie immer) nicht abgesperrt war, einem dreisten Dieb zum Opfer. Woraufhin ich den Nachhauseweg zu Fuß antrat. Zu allem Überdruss fand ich in ganz Ulm keine passende Jeans, weil mein schmaler Körper in Zusammenhang mit der übernatürlichen Länge offensichtlich zu sehr von der gesellschaftlichen Norm abweicht. Wie auch immer, bestelle ich eben im großen weiten Internetz.

Nicht, dass ich glaube, dass diese Geschichte irgendjemanden interessiert, ich wollte sie einfach nur festhalten.

Für gewöhnlich arbeite ich, wenn mir etwas am Blog nicht mehr gefällt (und das kommt bekanntlich gar nicht so selten vor), so lange an dem Problem, bis ich wieder ruhig schlafen kann. Das war soeben wieder der Fall; schon länger haben mir die kleinen Thumbnails im Fotoblog nicht mehr gefallen. Eine größere Darstellung musste her, wenn auch in der Umsetzung nicht unbedingt komplizierter. Mithilfe der großartigen Flickr-API wird nun also das frisch geschaffene Folio mit Bildern in der neuen 640Px-Auflösung befüllt. Die URLs zu den Fotos entsprechen denen zum 500Px-Format, werden am Ende aber noch um ein _z.jpg?zz=1 ergänzt.

Ich bin gespannt, was ihr zu dem reduzierten Design, der Seite allgemein oder auch den Fotos sagt. Schießt los, ich mache mich solange ans Hochladen neuer Bilder.

Mein treuer Leser Marco hat mir einige Bilder seiner Fotoreihe “Real Nature” geschickt, der ich mit großer Freude einen Post widme. Er hat die Natur in seinem Garten mit einer Canon EOS 300D eingefangen und beweist dadurch, dass Makrofotografie noch lange nicht ausgereizt ist. Mit ungewohnten Perspektiven zeigt er, dass der nächstgelegenste meist auch der beste Ort ist, um ihm mit der Kamera Details zu entlocken, die uns normalerweise einfach entgehen. Außerdem beweisen die Fotos einmal mehr, dass Nachbearbeitung völlig obsolet ist, wenn man gleich beim Shooting richtig mit der Kamera arbeitet. Viel Spaß beim Betrachten!

Wer flatteret, lässt damit selbstverständlich dem Fotografen eine kleine finanzielle Anerkennung zukommen.

Schön, aber belanglos, so würde ich die Fotoausbeute von gestern Abend nennen. Klar, die Bilder sehen ganz hübsch aus, mag sein, dass fotografisch Fortschritte mache, aber mich ärgert einfach, dass ich hier nichts als Natur vor die Linse bekomme. Längst sehne ich mich schon wieder nach den Straßenszenen in Ägypten oder wenigstens einer etwas größeren deutschen Stadt. Street Photography finde ich einfach wesentlich interessanter als das, was hier auf dem Land passiert. Aber lange kann es nicht mehr dauern, bis ich hier rauskomme – und die Athen-Reise Ende Juli ist schon gebucht. Yeah!

Es ist eine schlechte Idee, einen Artikel “Part 1″ zu benennen, wenn sich später herausstellt, dass man im Prinzip gar nicht das Material für eine zweite Episode hat. Fotografisch gesehen. Ich könnte natürlich noch etwas von meiner zweiten Urlaubswoche erzählen (die mittlerweile auch schon wieder seit zwei Wochen vorbei ist), aber das würde angesichts des derzeitigen deutschen Wetters wohl ziemlich schnell in sehnsüchtigem Geschwafel enden. Viel Spannendes ist sowieso nicht mehr passiert; Meer, Surfen, Essen, Trinken (alles inklusive, yay!). Ich werde mich daher damit begnügen, einige mehr oder weniger passende Bilder zu zeigen, ein Symbolbild unseres Rotes-Meer-Schnorchel-Ausflugs eingeschlossen. Außerdem noch ein paar Bilder der Fahrt durch die Wüste und zum Ende Aufnahmen aus dem heimischen Wald. Weil ich euch sonst nichts neues zeigen kann. Gute Nacht.

Ich muss es aus mehreren Gründen leider etwas kurz machen. Es hat Tage gedauert, ein WLAN-Netz zu einem einigermaßen akzeptablem Preis zu finden, dieses hier ist hoffentlich zumindest schnell. Ich zeige euch hiermit schon einmal eine erste Auswahl der vielen Fotos, die ich bisher gemacht habe. Das 50mm ist immer drauf, oftmals vermisse ich allerdings schmerzlich ein Tele. Nichtsdestotrotz konnte ich hoffentlich teilweise das ägyptische Leben etwas einfangen. Die Serie beginnt mit ein paar mehr oder weniger klassischen Touristenaufnahmen, später kommen dann Bilder von den Straßen Assuans, auf die sich nur sehr selten Fremde verirren. Wir hatten das große Glück, abends während eines Fußballspiels durch die Stadt zu laufen, während praktisch die gesamte Bevölkerung vor den spärlich vorhandenen Fernsehern saß.

Das muss leider fürs Erste genügen, wenn alles klappt, melde ich mich nächste Woche wieder.

© Christian Beirle González

Christian Beirle González kommt aus Madrid, lebt derzeit aber in München. Auf seinen Reisen hat er angefangen, Bilder zu machen; ein richtiges Hobby wurde die Fotografie jedoch erst, als er sich eine Canon Powershot G7 kaufte. Mittlerweile ist er auf die EOS 450D umgestiegen, die gleiche Kamera also, die auch ich benutze, und bestärkt mich mit seinen wunderbaren Fotos jedesmal darin, es mit der Architekturfotografie weiter zu versuchen. Diese Disziplin ist auch klar Christians Themenschwerpunkt. Er fotografiert Museen, Gallerien, Treppenhäuser und Bahnhöfe und Parkhäuser; dabei spielen Komposition, Symmetrie und Farbe eine wichtige Rolle. Obwohl er sich Kritik an seinen Fotos wünscht, können sie uns mittlerweile viel eher als Vorbild dienen. Nicht zuletzt deswegen ist auch Getty Images auf den Spanier aufmerksam geworden, dort kann man viele seiner Werke lizenzieren lassen, auf jeden Fall müsst ihr euch aber “City of Lights” ansehen, das ich hier nicht posten werde, um Ärger zu vermeiden. Der nächtliche Blick vom Empire State Building, aufgenommen mit einem Super-Weitwinkel, das das Streulicht einfängt und das Bild dadurch einzigartig macht. Fantastisch.

© Christian Beirle González

© Christian Beirle González

© Christian Beirle González

Auf Christians Flickr-Profil könnt ihr euch alle Fotos ansehen.

Der Begriff “Tutorial” ist an dieser Stelle natürlich völlig unangebracht, denn im Grunde besteht dieser Post nur aus einem kleinen Tipp: Experimentiert doch einmal mit dem Schwellenwert-Regler in Photoshop, am besten als Einstellungsebene (destruktives Arbeiten, ihr wisst Bescheid). Ich hatte gerade ein paar Fotos von alleinstehenden Bäumen übrig und finde die eingefärbten Ergebnisse ziemlich interessant. Hohe Auflösungen der Bilder gibt es beim Klick, die wie der Rest des Blogs unter Creative Commons-Lizenz stehen (siehe Footer).

Creative Commons 96dpi

Lustigerweise bin ich erst vor kurzem ausgerechnet bei Nico auf die fantastischen Fotos des Potsdamers Andreas Levers aufmerksam geworden, obwohl sich einige Bilder schon längere Zeit unbemerkt in meinen Flickr-Favoriten getummelt haben. Neben seinem Beruf als Mediengestalter zieht Andreas regelmäßig durch Berlin und hat sich dabei auf Architektur- und Studioaufnahmen spezialisiert. Auffallend ist  sein hohes technisches Niveau, was sich auch in der Nachbearbeitung zeigt. In seinem Blog kann man einige sehr lehrreiche Photoshop-Tutorials bestaunen, außerdem ist sein Fotostream mit mehr als 1500 Elementen prall gefüllt und wer dann immer noch nicht genug hat, kann ihm auch noch auf Twitter folgen. Jetzt wünsche ich erst einmal viel Spaß beim Betrachten der Bilder.

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© Lucie Camp

Viel mehr, als dass Lucie Camp gerade erst 18 geworden ist und die meiste Zeit auf Film fotografiert, bekommt man nicht über sie heraus. Dafür macht sie einfach wahnsinnig tolle Fotos, ich liebe das Licht und die Farben. Man kann gespannt sein, was aus diesem Mädchen noch alles wird.

© Lucie Camp

© Lucie Camp

© Lucie Camp

© Lucie Camp

© Lucie Camp

© Lucie Camp

Auf Flickr gibt es noch viel mehr von ihr.

Gefunden im Feaverish Photography Blog